アニメと音楽の微妙な距離感

 アニメと音楽。出自の異なる二つのメディア。この二つが組み合わさることで、素晴らしい相乗効果を上げていることは、確かなのだ。けれどよくよく考えてみると、それはアニメが音楽の持つエモーションによって、強引に突き上げられている感情の揺さぶりでもある。事実、いい音楽と台詞が入ればそれだけでと語る映画監督もいるほどに。また音楽単体を考えれば、音楽がゆさぶる感情が実感できるはず。じゃあ、アニメはおまけか?
 私は作品のサントラCDを聴くのが大好きだ。でもこれは一時的に視聴したアニメや特撮作品を、音楽という媒体を経由して追体験していることだ。それほどに音楽とは力強いものである。サントラ盤を聴いているだけで、アニメのシーンがうかび、その情景を元にして勇気を得たり、涙をえたりする。だがこれは本質的にアニメと音楽の副産物に過ぎない。毎度私論であるが、昨今のアニメシーンにおけるアニメと音楽の微妙な位置関係について、考えてみたい。

 子供の頃、ウォルト・ディズニーのアニメを見ていると、アニメと音楽の親和性を疑いもしなかった。ディズニーのキャラクターたちがそれぞれに楽器を持ち寄り、ミッキーマウスが指揮者となり、「軽騎兵序曲」を奏でる単品アニメ。スパイク・ジョーンズなみに、どんどんはずれていく「たが」が、最初の出だしの荘厳な音から日常品を叩く音に変化し、指揮者を含める大げんかに発展しながらも、どうにか1曲を演奏し終えるまでを描く単品である。
 また劇場用の大作「ファンタジア」を見れば、ディズニーがクラッシックの大作に、さまざまな実験的映像を重ねることで、観客と音楽との親和性を高めることに腐心していたように思える。ミッキー指揮による「魔法使いの弟子」や「はげ山の一夜」などの楽曲が、まさにドラマティックに聞こえてくる。またミュージカル映画の傑作「メリーポピンズ」や、諸々のディズニーアニメなどを見れば、アニメと音楽の親和性を疑うべくもない。私たちはそういうものであると、たぶん勝手に信じ切っていたのである。

 だがそれは、音楽ありきで作られた、まさに「魔法」の域に達した、熟練の技のなせる結果であり、音楽とアニメの親和性は、音楽を時間の積み重ねとしてカウントし、絵コンテや作画枚数を調整することにより、そのタイミングを合致させるという制作側の苦労の末に出来上がっている映像であることを、やがて知ることになる。音楽の抑揚は時間のタイミングに置き換えられ、それを映像に適応することで、音楽とアニメが親和した状態を作り出していったのである。

 先年物故された金田伊功氏が残した仕事で、さまざまなアニメのオープニングの映像がある。「サイボーグ009(新)」や「超電磁マシーンボルテスV」、「銀河旋風ブライガー」など、枚挙にいとまがないほどの作品を残している。これらの作品群が、こうした音楽と時間、そして絵コンテによる演出により作成され、出来上がってきた映像を見て、私たちは腰を抜かしたのである。そこにあるアニメーションは、アニメ作品にありがちな抑揚を持ちながら、その抑揚にあわせて動き回るキャラクターやロボットにより、作品自体に期待感を持たせる映像となっている。ここでもやはりアニメと音楽は親和性が高いと思えた。

 その後、アニメの作品中に音楽をキーアイテムとして取り込む作品が出てくる。83年に登場した「超時空要塞マクロス」である。アイドル調の曲、まさにアイドル的な発声で歌われた歌にあわせて、劇中の一人の主人公であるリン・ミンメイが、アイドル的な振り付けで「私の彼はパイロット」を歌い、マクロスとともに宇宙に投げ出されたマクロス市井の人々を癒し、彼らを守る兵士たちを鼓舞する。そして文化を知らないゼントラーディーの兵士たちを虜にし、銀河戦争を終結させてしまうというストーリーに直結するのである。まさに音楽とアニメの親和性である。これほどアニメと音楽の相性の良さを、際だって証明した例はないだろう。そして満足できなかった作画的な問題点は、翌年の劇場版「マクロス 愛おぼえていますか」の超絶作画により、完全に完成を見るのである。ことここにおよび、ディズニーすら追い落とすほどの、アニメと音楽の親和性を、日本のアニメが勝ち得たのである。

 だがしかし、日本における音楽とアニメの親和は、先述の通り、一握りの熟達したアニメーターによる技巧をこらした演出におうところが大きい。やがて日本のアニメが疲弊していくと、こうした演出はどんどん希な存在となっていく。そんな中で気を吐き続けるのが「ガイナックス」という会社だろう。「トップをねらえ!」の5話、「ふしぎの海のナディア」におけるナディアの誕生日の回、「新世紀エヴァンゲリオン」のOP,「彼氏彼女の事情」や「フリクリ」などの映像などを見れば、そのこだわりは理解できるだろう。また「美少女戦士セーラームーン」や「少女革命ウテナ」などの映像も、音楽との親和性を見せる。これらを監督した幾原邦彦氏の仕事も忘れていけない。また彼らほどではないにしろ、音楽のみならず「タイミング」にこだわり、ギャグのセンスを使いこなす監督が登場するのも大きい。「練馬大根ブラザーズ」のワタナベシンイチ氏、「十兵衛ちゃん」や「風まかせ月影蘭」の大地丙太郎氏など、ハイテンションの中に、絶妙のタイミングでギャグをかます瞬間は、音楽とアニメの発展型とも言えるタイミングの勝利だと思える。
 そしてその発展系として、「涼宮ハルヒの憂鬱」におけるEDのいわゆる「ハルヒダンス」や「らきすた」のOPのチアダンス、「かんなぎ」のOPのステージ、そして「ハルヒ」における「ライブアライブ」のパフォーマンスに繋がっていく。

 さて、時代が下ると、アニメはマンガの原作抜きでは成立しなくなる時期が来る。だがその一方で少年マンガが閉塞し、その突破口を開くために、マンガがさまざまな日常の職業や事物に注目しはじめる。マンガの神様であった手塚治虫氏は「ブラックジャック」で医者と医療、そして「ブッダ」で仏教を取り上げ、マンガでは表現仕切れなかったジャンルに切り込んでいく。弘兼憲史氏が「人間交差点」よりリアルに人間生活にメスを入れ初め、青年誌で活躍すれば、雁屋哲・花咲アキラ両氏は「美味しんぼ」で「食」にまつわる問題性に切り込み、絶大な支持を受ける。マンガはより独善的にしかも積極的に時代や世界を切り取って取り込もうとする。手塚が「虹のプレリュード」やベートーベンを主題にしたマンガ「ルードウィッヒ・B」を手がけたのもうなずける(残念ながら絶筆ではあったが)。

 こうした音楽を主題とするマンガの問題点をひとことで言い表せば、「絵にできない音楽をどうマンガで表現するか」ということになる。「音」を「擬音」として文字で書くという手法をとるしかないマンガという表現媒体では、音楽を絵にすることにおのずと限界がある。巨匠・手塚にして音楽という題材を扱いながら、人物と人生のドラマとして描かざるを得なかったことを考えれば(もし絶筆でなかったら、どうだったろうか?)、音楽を絵としたわけではないだろう。本質的に媒体のことなるメディアであるマンガと音楽は、実質的に相性が悪いのである。

 ところが昨今、この相性の悪い音楽を題材に、しかも主題として据えたマンガが人気を博した。しかもそれを用いてアニメとして製作し、大好評となっている作品がある。一つずつ紹介してみたい。

 一つは一色まことによる「ピアノの森」である。森の中にある特殊なピアノを弾く主人公が、周囲の人々の協力により、人前でピアノを弾く楽しみを知り、その持てるピアノの才能を開花させていく物語である。マンガでは劇中に実在のピアノ曲を弾くシーンがあり、また森の中の特殊なピアノを弾くシーンなどもある。演出的にはその演奏技巧や曲のすばらしさを、これを聴くキャラクターの驚きや感動の状況によって音楽を表現する手法がとられている。劇場用アニメとして公開された作品で、アニメでは主人公の周囲が輝きを増し、舞台上での演奏でも、森でのピアノ演奏と変わらない主人公の演奏技巧やキャラクターの心の機微に触れることで、音楽を表現する。しかも「森のピアノ」に関しては、「そうは聞こえないけど美しく聞こえる」という表現に挑戦している。結果的に見れば美しいピアノ曲をダイレクトに流し、台詞で補う形の演出となっているため、その驚きが映像としてインパクトを持っていたかについては、疑問が残るものの、映像化できない音の表現を、あくまで「音の映像化」にこだわろうとしている真摯な演出が、好印象に働く映画である。

 二つ目は去年の深夜枠アニメの目玉であり、この春から第二期の放映も決まっているかきふらいの「けいおん!」である。これについては、いわずもがなのヒット作であるが、この作品が「京都アニメーション」の作品であり、「涼宮ハルヒ」の影響をダイレクトに受けている作品であることはいうまでもない。そして自分たちの作った歌を自分たちで演奏し、自分たちを楽しませ、そして日常がなんとなく楽しくなっていくという、何気ない女子高校生の日常を切り取る手法に、ダイレクトに音楽を乗せてきている。主題歌を初め、劇中で使用された楽曲がCDとして発売され、高い売り上げを上げたのもすでに去年のことである。面白いのは、原作マンガでは演奏シーンはほとんどなく、しかもそのコマに擬音すら載せないほどである。それは本来このマンガが4コママンガであるため、4コマの「オチ」が優先される結果であるが、アニメではこのコマ間(いわゆる行間)を読むように、ここを入念に作画していることが、より重要である。その意味ではマンガとアニメは表現手法の違いを考慮すれば、別物とすら言えるだろう。アニメはより音楽との親和性を高めている。それはダイレクトに曲を演奏する主人公たちを描くことによるものである。

 最後にご紹介するのは、劇場用映画も公開間近の二ノ宮知子の「のだめカンタービレ」である。アニメも第3シーズンがそろそろ終わりに近づき、音楽自体よりものだめと千秋の恋の行方に焦点が絞られてきている。そもそもマンガではのだめ自身のピアノについても、大学にいる学生の上手い下手についても、千秋の内面の言葉としてしか語られていない。つまりどれほどのだめが優秀なピアニストであっても、それを作画では止め絵としてしか表現できないばかりか、本質的にコメディマンガであるために、音楽のすばらしさをダイレクトに表現することにためらいを感じてしまうのだ。書いている原作者自身、これをどう表現しようか悩んだ末に、もう一人の主役である千秋を「指揮者」という特殊な立場におき、指揮者ならではの「耳」により聞こえた音楽を、千秋の印象とモノローグで語らせる手法をとるのである。たとえば気持ちよさそうにピアノを弾くのだめの表情が「タコの口」をしており、それを見ている千秋は真剣な面持ちで、のだめの技巧を褒め称えながら、楽譜通りに弾けないことを、「なぐりつける」ことで「オチ」にするという場面が前半に頻出するが、これこそまさに原作者の狙いなのである。
 また千秋の指揮によるオーケストラの演奏や、音楽の解説も、すべて千秋の知識として語られる。コメディとしては非常に面白く、またドラマは千秋やのだめの思惑とはかけ離れるように展開し、結果飛行機恐怖症を克服してのだめと千秋はヨーロッパに留学する展開。そしてそこから始まるのだめの音楽との対話が、千秋とのだめの恋を行方とかぶるように展開するスリリングさもあり、コメディなのに強力なほどの展開を見せる。ストーリーはものすごく魅力的だ。だが千秋の口から語られる音楽を、どうアニメで表現するかが、大きな課題であると思っていた。
 ところがここでも演奏する技巧や、千秋を初め劇中に登場する世界の指揮者や音楽家たちの動きを、許す限りの時間を費やして作画されている。技術的にはきわめて2Dに近い3DによるCGであり、おそらく実際の動きのトレースやプログラムによる動きであろうが、「けいおん!」同様にこれまでアニメでは書かなかった音楽家たちの技巧の部分に、真っ正直にスポットをあてて作画しているのである。そのハードルの高さは、第1シリーズの監督であるカサヰケンイチ氏が、一度は監督を断ったほどである(コンティニュー誌インタビューより)。そこに千秋の台詞に実際の演奏されている曲がかかることで、きちんと音楽を表現することに成功している。このように、アニメの世界では逃げも隠れもしない、真っ正直な作画の力により、音楽との親和性を高める努力を払い、ものにしてきたのである。

 ほかにも「デトロイト・メタル・シティ」などもこれに類するのかも知れないが、残念ながら未視聴であるため、現段階では語りきれない。だが確実に作画として音楽と正面から向き合うことで、マンガの段階では音楽との相性を疑われそうな作品群を、みごとに親和的にしてみせた、これらの作品群の力はすばらしいと言わざるを得ない。そしてより重要なことは、一握りのセンスをもつ職人による映像ではなく、底上げされた作画陣により、これらが作画されて映像化されていることだろう。そこには技術的な飛躍も含んでいる。こうした作品群を見ている分には、今後のアニメ業界も、期待が持てることは間違いない。胸をはって堂々と言おう。今、アニメと音楽は心地よい距離感を保ちつつあると。 

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No title

こんにちわー。

いやはや、これ面白いテーマですよね。
確かに実写よりアニメの方が、音楽との親和性が上のような気がしてしまうのは不思議です。
元々フレーム単位で制作されるために、映像を音楽の方に合わせやすいとかあるのかなあ・・・などと。
アイマスMADを見ながらそんなことを考えてみたり。

ところでこのテーマにおける、ヤマトってどんな感じなんでしょう。
私のような世代ですと、音楽のいい昔のアニメと言われて最初に思い出すのがヤマトだったりするので・・・・。
もしよろしければ、教えて頂きたく存じます。

No title

がたがたさま
 コメントありがとうございます。
 仰るように実写よりアニメのほうがコマ単位で管理しやすいので、音楽に合わせやすいです。それでもフィルムのころは、実写でもフィルムのコマ単位であわせることができました。ビデオでも最近は時間単位で機械調節するので、素人さんが編集してもコンマ01単位であわせることができるそうです。

 さて「ヤマト」ですが、そもそもドラマに従って音楽が盛り上げるというのは、絵とのシンクロ以前の話なので、この場合には「前提」にしているつもりでした。
 
 そもそもアニメのサントラは、映画やテレビドラマの派生物であり、音楽としてはかなり特殊な部類です。本質的には「絵」があってなんぼという音楽。音楽自体で自立していられないものであるため、音楽の成り立ちとしては本質的に奇形なんです。

 サントラはキャラクターやドラマの「喜怒哀楽」の4テーマにあわせて、作品の演出家が楽曲作成を音楽家に依頼するものです。ですが作曲家と音響監督は別の人間が行うので、作曲家が意図したシーンに、想定した曲がこない場合が多々あり、どれだけ素晴らしい曲でも音響監督の好悪の問題として処理されて、お蔵入りする曲があるのが普通です。

 「ヤマト」の音楽のすごいところは、特定の曲を特定の場面に適応するようになったこと(「マジンガーZ」がすでに先んじてますけど)、そして御大「宮川泰」の手による楽曲が、実に幅広いジャンルにまたがって作曲されていることです。そのためこれまで無音楽状態のなにげないシーンにすら曲がつくという贅沢な状況が生まれ、戦闘シーンや勝利のシーンに必須でかかる曲を固定したことにより、耳で物語を記憶できるようになったのです。別の例を挙げれば、殺しのシーンに曲を固定した「必殺シリーズ」にも、相通じるところがあります。

 これは旧ルパンの音楽を手がけた「山下毅雄」による、シーンを選ばない楽曲群が通常だった時代に、一つのエポックとなります。ヤマトを手がけた西崎義展によれば、ドラマを盛り上げる音楽の重要性を熟知していたから、当時のヒットメーカーである「宮川泰」を起用したことを話しています。

 私はアニメのサントラとは、作曲家によるジャンルのクロスオーバーを楽しむものだと考えています。ヤマトの楽曲でも、主題歌のような軍歌があり、オーケストラによるクラシカルな曲があり、エレキギターが響き渡るロック調の曲があり、ポールモーリアのような室内管弦楽のような曲もありと、宮川氏が得意とするジャズと歌謡曲を中心に据えて、驚くほどの数の楽曲が製作されています。

 またテレビ版の「マクロス」の楽曲を作った羽田健太郎氏や、「マクロスF」「カウボーイビバップ」「エスカフローネ」などを作った菅野ようこさん、「ガオガイガー」や「カードキャプターさくら」「サクラ大戦」などの田中公平氏などは、いずれもサントラとしてアルバムを聴くと、かならず複数のジャンルの楽曲が確認できる作家さんです。つまり前提として、こうした作家さんの作る多ジャンルの楽曲が、1作品の喜怒哀楽のシーンを支えていることになるわけで、「ヤマト」はこうした音楽のエポックの一つといっていいでしょう。もちろん、画面を離れて単独でも商売として成立することでも、「ヤマト」はエポックです。

No title

すご・・・・・。

(ぐぅ)>(゚∀。) ←ぐうの音も出ない

>殺しのシーンに曲を固定した「必殺シリーズ」にも、相通じるところがあります。
はー!

いや、もうほんとにこれだけでアニメ音楽の変遷の概要がつかめた気になってしまいます。
素晴らしすぎる文章だと思いました。聞いてみてよかった!ありがとうございました。


No title

がたがたさま
 相変わらず、長くなってすいません。

 どこから書いて、どこまで書けばいいのか、判別付けないまま書き出してました。

 長文、大変失礼しました。
プロフィール

波のまにまに☆

Author:波のまにまに☆
東京都出身
43歳になりました 
妻一人

戦隊シリーズをこよなく
愛する、男オタ。
特撮は主食、
アニメは副菜。
後期必殺を好み、
スタートレックは
ピカード艦長が大好物。
Twitter再開しました!

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